jueves, 13 de septiembre de 2012

EL CLUB DE LOS 27 ¿LA MUERTE QUIERE ROCK?

Por Jessica Herrera "Vive rápido, muere joven y deja un bonito cadáver", máxima que ha llevado a más de una treintena de 'rockstars' a la tumba a la temprana edad de 27 años. James Dean, fallecido a los 24 años de edad, dejó una célebre y premonitoria frase: “Vive rápido, muere joven y deja un bonito cadáver”. Receta juvenil que ha adquirido especial relevancia en el rock androll ya que han sido muchos los que dejaron este mundo de forma temprana. Hecho éste que ha llevado a la creación del Club de los 27, por los que murieron con esta edad. En él se encuentran Robert Johnson, Brian Jones, Jimi Hendrix, Jim Morrison, Janis Joplin, Kurt Cobain y otros 25 artistas de talento que acabaron en la tumba de forma prematura debido a la vida repleta de excesos que está vinculada al mundo del rock. Alcohol, drogas y rock androll Alcohol, drogas y rock androll ha sido un cóctel que ha llevado a la tumba a buena parte de los integrantes del club de los 27. Ésta ha sido la causa de la muerte, entre otros, de Brian Jones, Jimi Hendrix o Janis Joplin. Brian Jones, guitarrista y fundador de Rolling Stones, fue de los primeros en caer, en 1969. Sus problemas con las sustancias ilegales obligaron a los Stones a prescindir temporalmente de sus servicios para hacer una gira por Estados Unidos. Meses después de su salida de la banda, fue encontrado flotando sobre su piscina. Supuestamente, la última juerga le costó la vida, aunque últimamente se especula sobre su asesinato. Jimi Hendrix falleció tras asfixiarse con su vómito debido a la mortal combinación entre pastillas para conciliar el sueño y vino. Recientemente, el libro In Rock Roadie, de James “Tappy” Wright, apunta a que pudo ser asesinado por su managerMichal Jeffrey. Sean Patrick McCabe, cantante de Ink&Dagger, también pasó a “mejor vida” tras ahogarse con su propio vómito, después de haber ingerido “importantescantidades de alcohol”. La cantante Janis Joplin, al igual que Jimi Hendrix, fue uno de los miembros fundadores del club de los 27. La causa oficial de su muerte fue “una sobredosis de heroína, probablemente combinada con los efectos del alcohol”. El caso de Jim Morrison se solventó oficialmente con un sencillo “fallo cardíaco”. No hubo autopsia ni investigación, pero todo apunta a que su adicción al alcohol pudo pasarle factura. Heroína y otras sobredosis La heroína fue habitual acompañante del rock androll durante varias décadas, desde finales de los 60 hasta mediados de los 90. En su haber, además de la muerte de Janis Joplin, también figuran las de otros miembros del club de los 27: Kristen Pfaff, bajista deHoley Jeremy Michael Ward, encargado de la parte electrónica de The Mars Volta y De Facto. Tanto las estrellas como los jornaleros del rock androll no sólo se aficionaron a la heroína, sino también a otras drogas. Y, en algunos casos, la combinación de varias de ellas originó desenlaces fatales. Rudy Lewis, vocalista de TheDrifters; Jean-Michel Basquiat, de Gray; y Bryan Ottoson, guitarrista de American HeadCharge, fallecieron por sobredosis. Asesinados El bluesman Robert Johnson fue el segundo músico en formar parte de tan selecto club. La incertidumbre rodea su muerte. Según las últimas especulaciones, pudo sufrir la venganza de un marido celoso y fue envenenado. Kurt Cobain, cantante y líder de Nirvana, también falleció debido a un disparo. En su caso, la versión oficial apunta a que se suicidó, pero las elucubraciones sobre su asesinato no han cesado desde su muerte un 5 de abril de 1994. Si el misterio ha cubierto las muertes de Jimi Hendrix, Robert Johnson, Brian Jones, Jimi Hendrix y Kurt Cobain, las especulaciones sobran en los casos de los raperos Fat Pat, de Screwed Up Click, y FreakyTah, de LostBoyz. Ambos fueron tiroteados. Enfermedades El estilo de vida vinculado al rock androll también ha provocado muertes prematuras vinculadas a enfermedades. Louis Chauvin, primer miembro del club, falleció debido a una esclerosis; la cantante Linda Jones, por un coma diabético, y Dave Alexander, bajista original de TheStooges, por un edema pulmonar. Accidentes Pero no todos los miembros del club de los 27 lo son por el uso y abuso de alcohol y drogas o por los disparos de alguna banda rival. Algunos pasaron a formar de él debido a la fatalidad de los accidentes. Por ejemplo, Leslie Harvey, guitarrista de Stone theCrows, fue víctima de una accidente laboral. Se electrocutó durante una actuación. También Pete de Freitas, batería de Echo &TheBunnymenmurió en su puesto de trabajo, sufrió un accidente de motocicleta mientras grababa un videoclip. Precisamente, los accidentes de circulación han sido la razón de que Jesse Belvin, compositor de r&b, Chris Bell, guitarrista y cantante de Big StarBig, Jacob Miller, vocalista deInnerCircle, y D. Boon, guitarrista de Minutemen, ya no se encuentren entre nosotros. Una muerte fantasma Richey James Edwards, guitarrista y compositor deManicStreerPreachers, es uno de los miembros más destacados de este colectivo. Pero todavía no se sabe si pertenece a él o no. Las autoridades decretaron oficialmente su fallecimiento en el 2008 pero su cadáver nunca se ha encontrado. Desapareció diez años antes en las inmediaciones de un puente. Alcohol, drogas, asesinatos, accidentes de circulación, fatalidad y enfermedades han sido los motivos que han llevado a 31 músicos y compositores a una muerte prematura, a los 27 años de edad.

TRAVESTISMO CUANDO EL PLACER SE DISFRAZA

Adriana Nolasco A pesar de ser un tema polémico, la sociedad muestra ya cierta apertura hacia aquellos individuos que experimentan satisfacción al vestir o usar prendas del sexo opuesto, sean hombres o mujeres. De cualquier forma, prevalecen algunos tabúes que bien vale aclarar. ¿Cuál es la primera imagen que nos llega a la mente al oír la palabra travestismo? Tal vez recordemos personajes “arrebatados” que aparecen en películas como La jaula de las locas y Tootsie. También es probable pensar en homosexualidad y en calificativos como “la vestida”. Sin embargo, la sociedad ha empezado a comprender, afortunadamente, que el travestismo no es una desviación o enfermedad mental y comienza a verlo como lo que es: una expresión más de la gran variedad de manifestaciones de la diversidad sexual. De acuerdo con el Dr. David Barrios, quien es sexólogo clínico, “el travestismo es un rol de género cruzado, lo que significa que una persona utiliza la vestimenta, accesorios, y otros elementos que le corresponden al género opuesto, ya sea masculino o femenino, independientemente de su preferencia sexual. Esto significa que no es necesario que quien se traviste desee ser mujer (en el caso de los hombres) o varón (en el caso de ellas), sino que en la mayoría de los casos está a gusto con su género”. Un ejemplo claro se presenta en la película Tacones lejanos, de Pedro Almodóvar: Miguel Bosé personifica a Juez Domínguez, un travesti que se encuentra tan a gusto con su género, que en una escena, aún con maquillaje, tiene un encuentro erótico con Rebeca, interpretada por Victoria Abril. Rompiendo tabúes Sin importar si el travestismo es ocasional o permanente, lo fundamental es quitarle la etiqueta de psicopatología, pues no es una enfermedad ni un trastorno mental. Así, en aras de romper mitos y despejar “telarañas”, bien vale hacer un repaso por algunos conceptos que engloban esta manifestación de la diversidad sexual: 1. Encuentro con lo femenino. De acuerdo con el Dr. David Barrios, también director del centro Caleidoscopía, espacio de cultura, terapia y salud sexual, la principal causa por la que alguien, generalmente un hombre, utiliza atuendos del género opuesto, es el simple placer erótico de vestirse y maquillarse como mujer. “Cabe decir que la gran mayoría de los travestis son heterosexuales, aunque los más notorios o los que vemos con mayor frecuencia son los hombres homosexuales”, apunta el terapeuta. Otro motivo común es que el placer de usar vestimentas femeninas se convierte en una suerte de ginecofilia (atracción o deseo sexual por las mujeres con rasgos físicos muy desarrollados), la cual se entendería como una forma de admiración y deificación de la figura femenina. 2. Preferencia. Hasta hace unos años el travestismo era algo completamente oculto, de modo que “ardía Troya” cuando pareja, familia o amistades se enteraban de que un hombre tenía esta preferencia. De inmediato se pensaba que era un trastorno psiquiátrico o sinónimo de homosexual, pero esto ha empezado a cambiar: ahora los hombres heterosexuales que acuden a terapia por practicar el travestismo, al descubrir que su caso es sólo una manifestación de la diversidad sexual (no una transgresión a la moral o a la religión), cambian su perspectiva y disfrutan más. 3. Manifestación cultural. El que una persona travesti adopte vestimenta, accesorios y hábitos del género opuesto depende de los roles que existen para ambos sexos en cada cultura. En efecto, los atavíos asignados a mujeres y hombres varían en ciertas sociedades o épocas. ¿Quién no recuerda las grandes pelucas, maquillaje y botines que utilizaban los hombres en Francia y otras regiones de Europa durante la dinastía de los luises (siglos XVII y XVIII), los cuales no causaban revuelo alguno? “En la historia de cada sociedad hay modos diferenciados para cada género; por ejemplo, en nuestra cultura el color, ornamentos, cosméticos y sofisticación se relacionan con la mujer, pero en otras tiene más que ver con el hombre. Muchas veces se concibe el travestismo como una transgresión a la normatividad, pero eso casi siempre es falso”, asevera Barrios. 4. Comunicación. En la actualidad existe más empatía (“ponerse en los zapatos del otro”), cooperación y condescendencia de la pareja de quien se traviste, al grado de que puede acompañarlo a hacer compras o prestarle ropa y accesorios. “Esto lo he podido constatar con las más de 500 historias de vida (psicológicas y sexológicas) que he analizado durante 25 años de práctica y que están relacionadas con el travestismo”, asegura el Dr. Barrios. 5. También las mujeres. A pesar de que la mayoría de los sexólogos no consideran que una mujer que se viste con ropa de hombre sea travesti (esto gracias a la revolución sexual de la década de 1960, cuando la mujer se entalló los pantalones como símbolo de rebeldía), esta tendencia existe, pues se estima que hay aproximadamente dos féminas travestis por cada diez hombres con dicha preferencia. Además de adoptar vestimenta masculina, ellas agregan elementos como cabello corto y eliminan aretes, collares o maquillaje de su arreglo personal, sin dar concesión a la feminidad. Por cierto, una de las primeras mujeres en adoptar públicamente esta imagen fue la actriz y cantante alemana Marlene Dietrich, quien causó una revuelta en la década de 1930 debido a que en películas como El ángel azul y Marruecos transgredió los principios de la época al vestir de frac. 6. Para todos los gustos. De acuerdo con el Dr. Barrios, las personas que practican el travestismo pueden ser de orientación heterosexual u homosexual, pero también se les llega a clasificar según la duración del proceso: quienes se visten ocasionalmente con ropa del género opuesto y quienes lo hacen las 24 horas del día. Otra clasificación se da entre quienes erotizan el proceso y quienes no, de modo que experimentan placer, pero sin implicaciones erótico-sexuales. Asimismo, aunque no es una condición que ocurra en todos los casos, “hay especialistas que sostienen que también existe el travestismo evolutivo gradual, donde en primer lugar hay un periodo de fetichismo (depositar el deseo en prendas del sexo contrario), luego viene uno de travestismo (se viste por completo y con amplio ajuar) y por último ocurre uno transgénero (cambio permanente)”, asevera el Dr. Barrios. Unión e información hacen la fuerza Cada vez son más comunes los clubes y asociaciones de personas relacionadas con esta preferencia, “Antes estos clubes estaban escondidos, pero ahora cuentan con lugares donde intercambian experiencias e incluso se dan consejos sobre cómo vestir o caminar”, explica el especialista. Finalmente, el sexólogo clínico recomienda la consulta de algunos libros para quienes deseen conocer más sobre el tema: Enciclopedia de prácticas sexuales, de Brenda Love (editorial Serrés); Historia de la sexualidad: desde Adán y Eva, de Malcolm Potts y Roger Short (Cambridge UniversityPress); Costumbres sexuales, de Edgar Gregersen (editorial Folio); Transexualidad: la paradoja del cambio, de María Antonieta Ramos García y David Barrios (editorial Alfil) y En las alas del placer, del mismo Dr. Barrios (editorial Pax México). ¿Tan viejo es el travestismo? Se considera que una de las primeras menciones sobre el travestismo proviene de la cultura griega. Andrógino, quien era un ser mitológico con gran fuerza masculina y delicada belleza femenina, era representado con cuerpo de hombre, senos femeninos y larga cabellera. Otro personaje particular, de inicios del siglo XVIII, fue el caballero Charles d’Eón. Se trataba de un hombre muy delicado que desde su infancia se vio fascinado por la ropa femenina. En la edad adulta se convirtió en un importante oficial del ejército francés y en misiones de espionaje siempre se vistió de mujer sin que notaran su identidad. No obstante, tuvo numerosas amantes femeninas. El Dr. David Barrios agrega que el travestismo es tan viejo como la humanidad, aunque su estudio científico es reciente. Fue hasta 1910 que un especialista abordó el tema: el médico Magnus Hirschfeld, del Instituto de Sexología de Berlín, quien escribió algunos estudios sobre el tema, aunque mezclaba conceptos como transgénero, transexualismo y travestismo.

VENEZUELA POLIFACÉTICA

UN VIAJE DE PELÍCULA Por Mariana Camargo Venezuela cuenta con una superficie continental e insular de 916.445 km2. Estos extensos territorios se expresan en una compacta superficie continental, cuya longitud máxima es de 1.493 Km. medida en dirección este-oeste y de 1.271 Km. en dirección norte-sur, lo que contribuye a facilitar la integración y cohesión interna. Cuenta con una amplia línea de costa, que alcanzan en el mar Caribe 2.183 Km. de longitud, desde Castilletes al promontorio de Paria; es de forma irregular y está constituida por numerosos golfos y bahías, entre los que destacan los golfos de Venezuela, Triste y Cariaco, y más de 314 islas, cayos e islotes de soberanía venezolana que se extienden por el norte hasta la isla de Aves y su correspondiente zona de exclusividad económica marítima. A su vez, cuenta con 1.008 Km. de riberas continentales en el océano Atlántico, desde el promontorio de Paria hasta Punta Playa, incluyendo el golfo de Paria, la isla de Patos y la fachada litoral del delta del Orinoco e islas adyacentes, donde destacan las bajas costas selváticas, cenagosas y cubiertas de manglares. En el territorio venezolano se combinan tanto los imponentes relieves de la cordillera de los Andes, la cordillera de la Costa y el macizo Guayanés, como formaciones de altitud media en el sistema Coriano y las depresiones de los estados de Yaracuy y Lara, donde se encuentran las ciudades de Barquisimeto y Carora; asimismo, también se reconoce la topografía de las tierras bajas de la cuenca del lago de Maracaibo, de Los Llanos, en el sistema del delta del Orinoco y en la llanura del río Casiquiare, en el Amazonas venezolano. En sus 3.000 Kilómetros de costas caribeñas, VENEZUELA posee amplias playas de resplandecientes arenas blancas, bordeadas por ondulantes palmeras, magníficas bahías e íntimas ensenadas. Asimismo, podemos disfrutar del exuberante follaje tropical, montañas que finalizan en acantilados, parajes solitarios y los cactus que crean un ambiente único. Muchas de estas costas forman parte de Parques Nacionales, protegidas por su singular belleza, su carácter único y su gran biodiversidad, tales como Henri Pittier, Mochima, Médanos de Coro, Archipiélago los Roques, Morrocoy y el refugio de Fauna Silvestre de Cuare. Todos estos sitios pueden ser visitados con la asesoría de Alpiturismo. Por ejemplo, esta gente cuenta con la disposición de Villa Mangrovia, una acogedora posada ubicada en Parque Nacional Morrocoy. La abundante avifauna lo incita a pasar el día observando aves. Se pueden realizar paseos por los manglares a bordo de pequeñas embarcaciones o tomar sol en estupendas playas de islas maravillosas, e incluso bucear sin necesidad de usar tanques. El pueblo colonial de Adícora puede ser una buena opción para los amantes del Winsurfing. Este lugar queda en la costa de la Península de Paraguaná con más de 240 Km. de extensión. La mejor temporada para practicar este deporte es de Febrero a Mayo. Y si lo que deseas es dedicar las vacaciones exclusivamente a la pesca, hay unos estupendos paquetes que garantizan al visitante el disfrute total de la actividad, además del apoyo de magníficos guías bilingües y gran calidad de servicio. Si queremos irnos por lo más convencional, seguro que pensarás en Puerto La Cruz, en sus bellas playas, buenos restaurantes y hoteles de primera categoría. Otra opción podría ser Cumaná, ciudad que cuenta con algunas de las playas más hermosas de VENEZUELA: Playa Colorada, Arapito, Santa Fe, Mochima, y Punta Arenas. Uno de los lugares más vistosos es el Estado Bolívar, el más grande de Venezuela. Se trata de una inmensa área de impresionante belleza, cubierta por selvas vírgenes, muchas de ellas en el Parque Nacional Canaima y la Gran Sabana. A poca distancia encontramos los tepuyes: impresionantes montañas. Excursionar por esta zona permite apreciar lugares sumamente hermosos, sobre todo en la zona sur del Estado Bolívar, como lo son los mágicos tepuyes, caudalosos ríos, hermosos saltos de agua, como el Angel y el Kukenán, y espectacular flora. Es un paisaje único en el mundo. Los Andes es una zona que bien merece ser visitada. No debemos limitarnos únicamente a la ciudad de Mérida. Conoce toda la parte de Trujillo donde, subiendo por La Puerta, se ven esos espectaculares sembradíos. Los Andes ha sido un punto de atracción turística y a la cultura de atención al público, que no es superada por ninguna otra parte del país. Mérida, particularmente, es una bella ciudad por donde se mire. Allí podemos encontrar el Parque Nacional Sierra Nevada, con cumbres que destacan como las mayores del territorio venezolano: Pico Bolívar, Pico Humboldt y Pico Bompland. En su visita a Mérida, el viajero encuentra paisajes inolvidables con poblados pintorescos, ríos, lagunas, gastronomía original, gente cordial y magníficos hoteles y posadas. Además, tiene más de 20 parques y numerosas plazas, entre ellos los famosos Chorros de Milla. Sin duda, su atracción principal es el Teleférico, el más alto y largo del mundo. Trujillo, por su parte, es una de las regiones más intensamente cultivadas del país. Es delicioso disfrutar de su clima y sus paisajes de montaña. De allí que lo llamen la Ruta del Jardín. El Estado Táchira, una región de hermosos paisajes que ofrece, entre sus atractivos principales, el Páramo la Negra, los baños termales de Aguas Calientes y el Parque Gran Colombia. En esta ciudad se pueden realizar varios paseos a poblaciones cercanas como Rubio, La Grita, San Antonio, Capacho y Pregonero. La agencia de viajes, Alpiturismo, ofrece unos paquetes hacia Los Andes, que incluye comida, alojamiento y excursiones.

TOM FORD: LA MODA Y LA (HOMO)SEXUALIDAD REÑIDAS AL 100%

Sebastián Rodríguez Nacido en Austin Texas, Tom Ford ha logrado lo que cualquier marca sueña con poder realizar: tomar una marca establecida y convertirla relevante para una nueva generación. No cabe duda de que Tom Ford ahora mismo se encuentra en lo más alto de la cima de su carrera profesional y explora nuevos horizontes en los que puede seguir creciendo como diseñador y como artista dejándole incluso hacer sus pinitos dentro del mundo del cine de la mano de su muso (y pareja según las malas lenguas) Jon Kortajarena. Sea cierto o no, lo único que puedo asegurar con total certeza es uno de los grandes de la moda y pasará a la posteridad como tal. El fenómeno Guccies la historia de éxito que cualquier casa de moda desea lograr; Ford hizo que la firma italiana que se encontraba en bancarrota incrementara sus ventas un 90%. Tiempo después se convirtió en director creativo de la marca Yves Saint Laurent, en 2005 anunció la apertura de su marca Tom Ford, en donde diseña ropa para hombre. Este febrero lanzará por primera vez una línea para mujeres. Inspirada en reminiscencias de los años 60 y 70, transmitiendo individualismo, ropa real para mujeres reales y modernas, Ford financia él mismo sus colecciones y planea seguirlo haciendo a futuro, pues se ha dado el lujo de rechazar inversionistas. “Lo que quiero es la libertad de decidir”, señaló en una entrevista para la revista americana Vogue; su meta es "Ser como Armani y Chanel”. Su nueva colección está dirigida a mujeres de todas las edades, estilos, tallas y razas, pero todas ellas con una personalidad y una belleza que resalta. Su ropa glamorosa y sexy como sólo sabe hacerlos el creador tejano, con una colección variada y muy femenina. Ford, que no había diseñado nada para el sector femenino desde que dejóGucci, expuso un video en la red sobre su colección, ya que la esta exhibiendo de manera exclusiva, pues no quiere que sus clientas utilicen lo que todo mundo esta usando. Pero Intentando alejarnos un poco de este tema ya que es el que maneja por excelencia, hemos querido enfocar su orientación sexual y la moda desde un punto de vista algo controvertido al que Tom Ford ha ofrecido a su vez una respuesta más controvertida aun: ha justificado y explicado la razón de porque los hombres gays son y serán mucho mejor diseñadores que el resto (hecho que no sé si será cierto pero al que sin duda acompañan las estadísticas empezando por Marc Jacobs y acabando por Yves Saint Laurent). “Soy totalmente objetivo en este aspecto. Impersonalizo en igualdad de condiciones la moda. No entiendo como nuestra cultura es capaz de adorar y materializar o convertir en un objeto la belleza y al mismo tiempo tachar a todos aquellos que participamos de ello. Como yo soy capaz de hacer esa distinción, soy capaz de despersonalizar una mujer bella sin que ello signifique que la denigre o la rebaje en ninguna de sus facetas. Es por ello por lo que estoy convencido que los diseñadores gays son más capaces de conseguir este objetivo sin perderse en el intento. La mujer es bella porque es una criatura que existe físicamente, en un mundo físico y que resulta estar en uno de sus mejores momentos.” Resumiendo, y a cuento de que Tom Ford ha decidido entrar una vez más en el mundo de la moda femenina, considera que los diseñadores gays son capaces de ver a la mujer como un mero cuerpo en el que poner los vestidos, un soporte más al que embellecer potenciando su personalidad y la individualidad que se merece, sin convertirla en un objeto, en un mero artículo de exhibición o en un icono sexual. Pero por contra y es algo que se le ha olvidado puntualizar a Tom Ford, también es cierto que los diseñadores gays tienen mayor tendencia al culto del cuerpo masculino, de exagerar su sexualidad y su potencia varonil para conseguir un mayor impacto social y sobre todo de labrar un prototipo de hombre-perfecto al servicio de la moda y no al revés. Reflexiones variadas para un tema controvertido que siempre ha estado en boca de todos y que seguro que, siendo un poco inteligentes y huyendo de los prejuicios o los convencionalismos sociales, todos nos hemos planteado alguna vez: ¿por que existen tantos diseñadores gays?

La Seducción comienza en la cocina

Las relaciones sexuales tienden a estancarse en rutinas triviales, y cuando esto ocurre, son demasiadas las mujeres que se convierten en brujas endemoniadas y dominantes. Permiten que sus propias neurosis y decepciones sofoquen el deseo del compañero cuando tratan de imponer su voluntad, de someter al infeliz cónyuge. Algunos hombres se vengan de esto, procurando vivir la mayor parte de su tiempo en el mundo de los negocios. Allí, rodeados de bellas secretarias y de un ambiente suntuoso, comen y beben a cargo de la cuenta de gastos de su empresa, y consiguen escapar a la tiranía del matrimonio. Para conseguir que un hombre venga a casa, hay que convencerle de que la cosa vale la pena... y no hay mejor cebo que una cena bien cargada de afrodisíacos, por que EL SEXO EMPIEZA EN LA COCINA. Alimentadle con comidas exquisitas, y le veréis responder con sensaciones lascivas a medida que intoxicáis su paladar con deliciosas voluptuosas. Servidle vinos de aroma delicado, que coloreen su mente y desentumezcan su cerebro. El saber conquistar mediante los rituales de la comida y del amor es todo un arte. Halagadle practicándolo a fondo. Arrojad de vosotras todas las inhibiciones, para que él pueda hallar placer en vosotras. ¡Sí !, arrojad incluso las ropas;* en vuestro mundo particular no os hace falta para nada el sello de aprobación de la censura social. ¡ Adelante, y servidle la cena mientras polarizáis su sensualidad con la euforia aterciopelada de vuestra desnudez! Observad cómo sus ojos exploran con más atrevimiento, a medida que vuestro cuerpo y vuestra comida despiertan simultáneamente las fuentes del erotismo. * Esta idea no es nueva, pues ya en el siglo XVII la practicaba Casanova, conocedor de que los placeres sensuales de la gastronomía se amplifican con el espectáculo de un cuerpo desnudo y bien dispuesto para una respuesta sexual libre de inhibiciones, es decir alimentando al mismo tiempo la libido y el paladar. El sabor exquisito de los alimentos produce estímulos placenteros, mientras que el cuerpo desnudo atiza los fuegos del éxtasis. El Marqués de Sade celebró numerosos e importantes banquetes, a los que era obligatorio asistir desnudo, y saboreó todos los detalles de los mismos. Más tarde los describió en sus novelas (vosotras también podéis escribir en los ratos de ocio ). Si la desnudez os escandaliza, recordad que una amante se comporta siempre con abandono allí donde la esposa frunce el ceño con desaprobación. No hay nada malo en el placer. De hecho, si algunas de esas caras de palo que vemos tan a menudo -expresiones faciales que parecen reclamar se les recete a sus propietarias un enema - tuviese la iniciativa de abrirse al placer, sus maridos no se sentirían condenados a vivir en un infierno. A lo largo de toda la historia humana, el folklore ha dado crédito a la teoría de llegar al corazón a través del estómago. Y con razón, por que todas las glándulas y células de nuestro organismo reciben la influencia de los alimentos que comemos. Una comida estimulante puede realzar las relaciones sexuales hasta el nivel de fogosidad de los primeros días de cortejo. Se consiguen reavivar las emociones y refrescar los sentimientos agotados, resucitando la pasión y la ternura. Si doña Carabina acierta a convertirse en Doña Seductora, su esposo se comportará lo mismo que si le hubieran puesto una inyección de virilidad. La hembra más frígida y el más ceñudo marido pueden ser rescatados del celibato, y fácilmente seducidos a través de lo que comen, para convertirse en amantes temblorosos de sensualidad. PORQUE LA COCINA ES EL CAMINO MÁS RÁPIDO HACIA LA ALCOBA. Cuando me casé con Sy (mi estimado compañero de cama ), quedé encantada con la frecuencia y calidad de sus manifestaciones amatorias, y me prometí hacer que continuara siempre así. Recordé haber leído que las grandes entretenidas de finales del siglo XVII eran famosas por su buena mesa, y decidí que, mientras él me tuviera en matrimonio, yo las emularía a ellas para tenerle en la cama, ¡y así lo hice ! Encendida su sexualidad mediante cenas íntimas y afrodisíacas, jamás me ha decepcionado. Mi esfuerzo se ha visto recompensado con su inextinguible pasión hacia mí. Hace poco le oí decir a un amigo que muchos negociantes, hombres de presa que parecen vivir sólo para comerse el mundo, son impotentes, y que en ello radica la clave de su éxito financiero. Al faltarles el estímulo amoroso y pasional de las batallas de la alcoba, así como las dulzuras de una cocina sensual, se lanzan a la lucha de los negocios. Sus energías sexuales se canalizan por esa otra vía, a modo de compensación, hasta que por fin, atrofiada su libido, se convierten en impotentes. Desgraciadamente, hay que decir que con frecuencia eso es culpa de la mujer que les acompaña en su vida, por no tomarse en serio su misión y descuidar sus obligaciones. Si sabéis dar en vez de tomar, tanto en la cocina como en el dormitorio, os prometo que las horas doradas de felicidad sexual os embellecerán y os darán la lozanía característica de la mujer realizada. La mujer ha de ser camarera, cocinera, lavandera, compañera de bar, artista de "strip-tease ", ligue de una noche de fiesta y " femmefatale", todo en una pieza. O dicho en otras palabras, ha de ser puta, y no bruja, si quiere llevar el juego fálico a su excitante conclusión. Servidle comida erótica, empapad su libido en vino, poned una cerradura en la puerta del dormitorio, y ya veréis la relación que existe entre vuestras hazañas culinarias y las suyas amatorias. El XVIII fue el siglo del silencio. Los buenos catadores de los placeres amorosos del "boudoir "eran, al mismo tiempo, gastrónomos entendidos y aficionados a levantar, no sólo las faldas de las mujeres, sino también las tapaderas de las ollas. Las comidas se incendiaban con la coquetería de los afrodisíacos. Pero luego, el mundo se vio ensombrecido por una nube de puritanismo e hipocresía, llamada entre nosotros la era victoriana. El placer se identificó con el vicio, y el arte de guisar para el regocijo sexual se halló en una etapa de abandono. Las inhibiciones nacidas en la alcoba se propagaron pronto a la cocina. El arte de la buena mesa entró en decadencia. Como EL SEXO ERA PECADO, nadie se atrevía a cocinar con afrodisíacos. Por algún tiempo pareció que la sensualidad no iba a regresar jamás. Pero el hacha del tiempo ha cortado las raíces del puritanismo. Las mujeres armadas de inteligencia y de afrodisíacos tienen en sus cocinas las llaves del espíritu de la virilidad. Para realizar las recetas afrodisíacas de este libro no se necesitaban sino ingredientes de fácil obtención, que pueden hallarse en el supermercado de la esquina. Reforzad sus virilidades; obligadles a que se fijen en vosotras, a que os vean como hembras. Poned en funcionamiento el arsenal de vuestra cocina, antes de que otra, un poco más seductora que vosotras, le someta al fuego de sus propios afrodisíacos. Buen Apetito. Recetas de Platos Afrodisíacos Hechizo de escalopes al roquefort Ingredientes: 4 Milanesas de Ternera 80 gr. de queso Roquefort 20 gr. de manteca Harina cucharadas de aceite de Oliva 1 vasito de Brandy Zanahoria y Perejil, (acompañar) Sal y Pimienta Elaboración: Pasa las milanesas por la harina, vuelta y vuelta, y sacúdeles de encima la harina sobrante. Calienta en una sartén la manteca con el aceite, y dora los escalopes de ambos lados. Añade el Brandy y déjalo evaporar. Corta el queso en cubitos y agrégalo a la carne .Baja el fuego y cocínalo, con la sartén tapada, aproximadamente dos minutos (el tiempo necesario para que el queso se derrita). Destapa la sartén y da la vuelta a los escalopes. La salsa ya debería estar espesa. Sirve los escalopes bien calientes, cubiertos con la salsa y rociados con perejil picadito. Acompáñalo con zanahoria rallada, hojitas de perejil y una caricia por debajo de la mesa. Viagra de frutos secos Ingredientes: 3 docenas de dátiles jugosos y carnosos deshuesados 6 cucharadas de nata líquida 25 gr. de pistachos 25 gr. de nueces 25 gr. de piñones tostados 1 cucharada de jengibre fresco rallado Unas gotas de esencia de vainilla 2 cucharadas de agua de azahar 30 gr. de sésamo tostado Elaboración: En un mortero de madera machacar bien los dátiles hasta formar una pasta, agregar la nata y el azahar procurando que quede todo bien mezclado. Agregar el resto de los elementos salvo el sésamo, mezclando a mano sin machacar. Formar bolitas del tamaño de una nuez pequeña. Envolverlas con el sésamo fijando el mismo. Guardar en recipiente de porcelana con tapa en la nevera. Se recomienda tomar 2 ó 3 bolitas en ayunas y otras tantas antes de la cena. Los resultados pueden ser espectaculares

HOTELES DEL MUNDO UNA GRÁFICA EXPERIENCIA

Por Carlos Flores HOTEL FOX 61 habitaciones, 21 artistas, 1.000 ideas Para el lanzamiento del nuevo Volkswagen Fox, 21 artistas internacionales de los campos del diseño gráfico, el arte urbano y la ilustración se reunieron en el Hotel Fox en el centro de Copenhague, Una ciudad maravillosa y artística, cuna del diseño contemporáneo y ciudad joven y europea por excelencia, para redecorar el hotel más excitante y creativo del momento. Copenhague fue la ciudad elegida para su presentación. Tras muchas llamadas a hoteles de la ciudad, un pequeño empresario, Hans Brochner, quedó ensimismado con la idea... y accedió a que vaciaran su Park Hotel y lo cerraran durante meses para trabajar en un nuevo concepto, ni si quiera había firmado un contrato cuando empezaron a desvalijar el edificio, pero la fe y la confianza del empresario se ha visto recompensada con el resultado, que podremos disfrutar a los precios que tenía el antiguo Park Hotel por imperativo de la marca alemana. Las 61 habitaciones del Park Hotel fueron completamente vaciadas y pintadas de blanco para que los 40 artistas agrupados en 21 firmas de diseño procedentes de Alemania, Dinamarca, Francia, Inglaterra, Italia, España, EE.UU., Suiza, Noruega, Japón, Venezuela, Brasil y Austria pudieran soñar e imaginar habitaciones nunca antes creadas. El proyecto en cuestión se llama “Project Fox”.Nunca una campaña de publicidad había llegado tan lejos, y es probable que el futuro del mundo de la publicidad camine parejo al del desarrollo de lugares especiales y espectaculares como el del Hotel Fox de Copenhague. La gracia de este hotel, es que cada una de sus habitaciones fue ambientada por distintas agencias de diseño, y jóvenes diseñadores, ilustradores y artistas de la gráfica de todo el mundo como como:Tokidoki, GenevièveGauckler, MASA, Rinzen, Viagrafik, FriendswithyouFreaklub, entre muchos otros reconocidos diseñadores de la escena contemporánea del diseño, idearon y conceptualizaron, cada uno, una habitación y luego la pusieron en práctica a través de plumones, lápices, sprays, y del diseño del mobiliario. Las habitaciones tienen espectaculares diseños relacionados con el mundo del cómic, la naturaleza, el motor, criaturas encantadas, monstruos, reyes o geishas... Pero el Proyecto no paró aquí, Copenhague se ha convertido en un auténtico Universo Fox que se complementa con el Club Fox, una fantástica discoteca de diseño y el Estudio Fox, un lugar para la investigación creativa. Para la presentación del nuevo coche llevaron a cientos de periodistas al novedoso hotel y les hicieron descubrir el joven y revolucionario Universo Fox. Ahora te toca a ti ir a Copenhague y disfrutar de este particular universo creativo. PANTONE HOTEL Una Oda al Color Éste colorido y original lugar se encuentra ubicado en una de las avenida mas importantes de Bruselas, la Avenue Louise. Las creativas mentes detrás de la construcción y decoración del sitio son el Diseñador de Interiores Olivier Hannaert y el Arquitecto Michel Penneman. Al parecer el proyecto les fue asignado por la propia compañía. Gracias a este hotel me entero que esta fiebre por la compañía recibe por nombre PantoneUniverse y que efectivamente se trata de un movimiento para llevar el nombre y los colores de la empresa a cualquier superficie, pero mas que cultural se trata de un movimiento de marketing. Hay que admitir que la estrategia no solo es inusual sino también bastante interesante. El lobby es uno de los puntos focales del hotel, y en él hemos podido ver la alfombra Do-Lo-Rez de nanimarquinay el sofá del mismo nombre diseñado por Ron Arad para Moroso. La terraza es otro de los puntos importantes del establecimiento, y puede alquilarse para la celebración de eventos. El hotel consta de 59 habitaciones, la terraza con bar el la azotea, y también dos salas de reuniones en el último piso que puedes ser utilizadas para reuniones de negocios. En el hotel, además de encontrar muchos de los artículos Pantone -desde tazas para el café, hasta bicicletas- el huésped puede disfrutar de las tonalidades que sean mas adecuadas para su estado de ánimo y para ello ponen a su disposición un psicólogo especializado en teoría del color para brindarle asesoría al respecto. Todas las habitaciones son blancas y son complementadas con texturas o fotografías del color designado para ese piso. Se seleccionaron 7 paletas de colores (una por cada piso) y cada habitación esta cuidadosamente decorada en base a esas tonalidades. El precio de las habitaciones ronda entre los 100 y 120 euros, por lo que puede ser un excelente lugar para hospedarse si planean visitar Bélgica en el futuro. El lugar se presta para que se realicen eventos relacionados con el diseño o simplemente para alojar a los amantes del mismo. Según palabras de Lisa Herbert, vice-presidenta ejecutiva de Pantone: “París tiene los Campos Elíseos, Barcelona las Ramblas y Nueva York la Quinta Avenida. Y ahora, en la Avenida Louise de Bruselas, el hotel Pantone convive con marcas internacionales, las mejores tiendas de productos belgas, elegantes mansiones y modernos edificios de oficinas; todo rodeado de un paseo de castaños. Siendo desde hace tiempo sinónimo de color y diseño en ámbitos como la moda, el interiorismo o el branding corporativo, Pantone se encuentra como en casa en el corazón más vibrante de la ciudad. .” FAENA HOTEL ✚ UNIVERSE Garbo Porteño ElFaena Hotel + Universees un hotel de diseño exclusivo y original, situado en la Ciudad Ideado por Alan Faena y diseñado por Philippe Starck, FAENA HOTEL+UNIVERSE ha sido concebido como un hogar. Cuenta con un conjunto de espacios comunes que forman el Universe, 103 habitaciones de lujo Y 83 RESIDENCIAS PERMANENTES. de Buenos Aires. El interior del hotel, como se expreso anteriormente, fue diseñado por Philippe Starck, basado en el estilo Imperio (estilo Luis XVI con toques de modernismo) que definió Alan Faena. Philippe Starck es una persona que tiene un criterio estético muy despojado. Responde a lo net., con planos largos y rectos (así construyó los hoteles Ian Schrager). Alan quería un estilo Imperio por varias razones; una es que su concepción no responde a los 90 sino que es más clásico y como este hotel, si bien es un hotel de vanguardia, intenta ser un hotel que se identifique con las construcciones del siglo XX, la idea es que tenga una decoración y una estética que no responda a tendencias momentáneas sino que se pueda sostener en el tiempo. Philippe Starck realizó una interpretación del estilo Imperio, pero no deja de ser quien es y agrega su sello que le da un perfil único. Como Starck no suele trabajar este estilo, le da un valor especial ya que es su primer proyecto con estética Imperio, y a su vez el primero en Latinoamérica. Este proyecto se aloja en el edificio El Porteño, el cual está compuesto por residencias, un hotel y un espacio común en la planta baja y primer piso que se llama Universe. Además de este edificio, la compañía tiene también La Porteña, edificio de residencias ubicada en la manzana de enfrente, que también posee dos edificios (Diquecito I y II) con un centro cultural y otros emprendimientos. Este hotel puede ser visitado para admirar los espectaculares interiores diseñados por Starck e incluso los restaurantes son abiertos al público. Entre sus atractivos tenemos “El Bistró” como el restaurante con cocina de autor más sofisticado del hotel, y “El Mercado” Inspirado en los viejos mercados europeos y las tradicionales cantinas italianas, es otro de los lugares imperdibles de Faena Hotel + Universe. Pizzas, panes y empanadas horneadas en barro se disfrutan en un espacio por demás único.El Teatro del Faena: Cuenta con escenario de madera y un cortinado aterciopelado color púrpura y las mesas redondas, sillas negras de colección diseñadas por Philippe Starck y sillones de capitoné negros, posee tecnología wireless de última generación. El Cabaret: Ambientado con sillas doradas, tapices antiguos, cortinas de terciopelo y sillones de cuero rojos, se trata de un espacio pequeño, que permite una inusual intimidad con los artistas. Revistas, artículos de diarios y entrevistas televisivas cuentan otra perspectiva acerca de los espacios y servicios del hotel, brindando opiniones concisas desde distintos puntos de vista. El Faena Hotel + Universe surgió como un sueño: reeditar la Belle Epoque y traerla de nuevo a Buenos Aires, imponiendo una nueva forma de experimentar la vida cotidiana.

TIM BURTON

LA POESÍA DE LO MACABRO Por Javier Bort Estrada Hay muchos adjetivos que pueden definir el cine del director, productor y escritor Tim Burton: oscuro, intimista, fantástico, excéntrico, trágico, colorista, sensible, macabro, infantil, extraño… Términos contradictorios, algunos de ellos, pero que con Burton forman una perfecta amalgama en películas con un estilo único, personal y diferente, y visualmente muy poderosas, un universo propio dentro del séptimo arte, que conjuga a la perfección clasicismo y modernidad, siendo el sucesor directo del mítico director de cine mudo Tod Browning y continuador del arte de míticos realizadores como James Whale, Fritz Lang, F.W. Murnau y Terence Fisher. Hace poco, el prestigioso festival de cine de Venecia, en su 64 edición, y en reconocimiento a sus logros, le entregó un galardón por toda su carrera a Tim Burton, certificando la importancia de este gran cineasta en la historia del cine. Vamos, a continuación, a hacer un recorrido por la obra de este genial cineasta, uno de los directores con una visión más original y personal del cine actual, que con su estilo único, ha creado películas que se tienen ya por clásicos modernos, y ha sido capaz de abordar una gran cantidad de diferentes géneros cinematográficos, no sólo triunfando en todos ellos, sino dejando también su particular huella, haciendo que su estilo sea toda una referencia a seguir dentro del género fantástico, hasta el punto de que incluso el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) dedicará su primera retrospectiva al cineasta, en una exposición que se inaugurará el próximo mes de noviembre y en la que se mostrará una selección de 700 trabajos junto con un ciclo de películas realizadas por Burton. Dicho estilo tan innovador surgió ya, a temprana edad, pues Timothy William Burton Burton, nacido el 25 de agosto de 1958, en Burbank, California, ya ejercía en la escuela de caricaturista en la escuela. Por aquel entonces era un niño introvertido y reservado, con un gran universo interior. Burton, que siempre mantuvo esa aureola de excéntrico, sería definido años después por su amigo Johnny Depp como “el inadaptado mejor adaptado que conozco”, citando palabras textuales. Según Tim Burton, “cuando creces siendo la oveja negra de la familia, o alguien a quien la gente percibe como extraño, pronto esa manera de ver el mundo se vuelve parte de tu personalidad”. Y en el cómo trasladó esta visión del mundo a su cine reside el talento de Burton. Si en aquella época Burton ya daba muestras de talento artístico, no es de extrañar que tras ingresar en el Cal ArtsInstitute, los estudios Disney se fijaran en él. Por desgracia, para la Disney apenas realizó trabajos de animación secundarios en títulos como la olvidada “Tarón y el caldero mágico”. Ni siquiera tenía libertad para crear o innovar, sino que realizaba tareas técnicas. Por aquel entonces ya empezó a esbozar el Jack Skellington de “Pesadilla antes de Navidad”. Burton no tardaría en abandonar la compañía. Su estilo oscuro simplemente no encajaba en la infantilizada y desnortada Disney de los años 80. SUS COMIENZOS Los primeros trabajos de renombre de Burton vendrían, curiosamente, de esa época Disney, y radican en dos cortometrajes, “Vincent” y “Frankenweenie”, en los que el realizador ya muestra los caminos que seguirá en el futuro. “Frankenweenie” (1984) es una visión infantil y Disney, con “happyend” sobre el mito de Frankenstein (demostrando el conocido interés de Burton en el cine de terror clásico), donde Victor Frankenstein es un niño, y su creación reanimada, un perro. El cortometraje (que cuenta con la presencia de Shelley Duvall, recordada como la esposa de Jack Nicholson en “El resplandor“ de Stanley Kubrick) resulta todo un festival de alusiones para sus aficionados, ya que en ella se contienen planos y elementos que utilizaría en títulos posteriores como “SleepyHollow” (el molino en llamas de “Frankenstein”), “Eduardo Manostijeras” (la estructura del final, idéntica), “Ed Wood” (rodar una cinta en blanco y negro a propósito para aludir a la original) y “Batman vuelve” (el travelling del zoo abandonado), aunque la cinta por sí misma no tiene demasiado interés, sin ser desdeñable. Más de 25 años después, Burton planeó convertirla en un largometraje, para aprovechar todo su potencial. Mucho más interesante resulta “Vincent”. En este relato de 6 minutos, animado por stop-motion (en un adelanto de “Pesadilla antes de Navidad”, dentro de un estilo de animación que será uno de los pilares de la carrera del director) Burton hace un sentido homenaje a la figura del actor clásico Vincent Price (“Los crímenes del museo de cera”, “El abominable Doctor Phibes”, “Houseonthehauntedhill 1959”, La mosca 1958”, “Historias de terror de Edgar Allan Poe“….), por el cual Burton siente una predilección especial, y admiración por sus películas de terror gótico. La animación tenebrista y en ciertos momentos surrealista de la historia, junto con el final (el niño muere) fueron algunos de los detonantes del fin de la relación Burton-Disney, y motivaron que el corto quedara sin estrenar comercialmente hasta 1992, cuando obtuvo numerosos premios y honores, aunque en 1984 ya obtuvo un galardón en Canadá. El primer largo de Tim Burton fue la onírica y surrealista “La gran aventura de Pee-Wee” (1985), un éxito más crítico que económico, y que deja entrever el estilo de este director único, así como su especial sensibilidad. Se trata de una colorista y surrealista aventura, en la cual se fijarían posteriormente múltiples directores, entre ellos, el español Javier Fesser, y que guarda múltiples conexiones con el humor británico de Mister Bean. Aunque goza de buena reputación y sobrada popularidad, no se trata de una de las mejores películas de su director. Es más, de no existir su innecesario remake de “El planeta de los simios”, bien podría etiquetársela como uno de sus títulos menos interesantes, aunque en todo caso, toda una rareza por descubrir, que gusta tanto a algunos críticos, que han llegado a describirla como “el homenaje de Tim Burton a la comedia muda”.

Arte

DADAÍSMO ¿AZAR, ARTE O ANTIARTE? Por Ricardo García Lo absurdo, el sin sentido de la razón, el azar y lo efímero, es redescubierto por Dada como la esencia de la nueva realidad. Para Dada todo es relativo. El dadaísmo fue una revolución psicológica y artística. Precipitó una crisis, para madurar la insatisfacción. Para Dada era imposible aceptar el mundo después de la tragedia de la guerra, su ira y su negación fueron creciendo a la par de las bombas y los tanques de doble tracción. Dada podía decir no a todos y a todo, podía protestar, hacer actos, reír en los funerales y llorar en las bodas, podía trastocar y doblegar todas las reglas de la convivencia. (Invertebrado) Puede haber comenzado en Zürich, Suiza, un 5 de febrero de 1916, a las 18 hs., en el Cabaret Voltaire. Tal vez comenzó antes. Imaginemos. Un cortapapeles es insertado sin premeditación, en una hoja cualquiera de un pequeño diccionario Larrousse. La página se abre y al azar se lee la palabra "dada" ("caballo en lenguaje infantil"). (Intercalado) En el cabaret literario y artístico que regentean Hugo Ball y Emmy Henning, están reunidos Tristán Tzara, rumano - veinteañero - refugiado de guerra, junto a otros amigos poetas como Marcel Janco también de Rumania, el alsaciano Jean Arp y el alemán Richard Huelsenbeck entre otros muchachos angustiados que desde sus poesías se oponían a todo, hasta al mismo arte. Sentada con ellos en la mesa del café, encuentra su apellido (o quizás su seudónimo) la Angustia. Con su nuevo nombre se transmutará en un baluarte de la contracultura, que poco dijo sobre sí mismo, que se desquició ante las palabras que nada tenían para comunicarle. No quiso dejar testamentos. "Dada no es nada" dijo Tristán. Antes habían existido el romanticismo, el simbolismo, y más cercanos a principios de siglo el futurismo y el cubismo, pero Dada no era un istmo más. "Estamos en contra de todos los istmos... no buscamos nada...escribo un manifiesto y no quiero nada; digo no obstante, ciertas cosas, y estoy por principio en contra de los manifiestos!" Tristán Tzara fue el joven artista, el joven anti-arte que se embanderó en Dada cual gurú predicando su verdad: el escepticismo llevado hasta los límites de la razón. A los 21 años estaba sitiado en un país ajeno por una guerra que en aquellos días parecía interminable. Encerrado en una habitación sin ventanas, muy parecida al mundo, vivía quien en esa época se convirtió en la voz de la incredulidad. Exiliado, hastiado y en contra de todo lo que lo había colocado allí. Una necesidad se establece como camino a seguir: cuestionar el mundo todo y cuestionar la obra de arte. Dada proclama la fugacidad de la obra, sus muestras no pueden durar más de cinco minutos en exposición. Dada niega la producción individual o artesanal del artista y rechaza la "inspiración poética" como fórmula de arte. Las tijeras fueron el instrumento activo de los "cadáveres exquisitos", que germinaban del azar en manos de los dadaístas. No era extraño bajo estos preceptos que algunas muestras de Dada tuvieran en la entrada palos para los concurrentes quienes debían destruir lo que allí se encontrara. En la misma época en que Europa se sacudía de conmoción y asombro, en Nueva York los paradadaístas también le declaran la guerra al arte: Francis Picabia -pintor y poeta francés- diseña mecanismos sin posibilidad de uso; el fotógrafo norteamericano Man Ray, inventa una nueva técnica fotográfica, el rayograma; y Marcel Duchamp, escultor y pintor francés, desarrolla lo que quizás fuera el antimétodo dadaísta más representativo: los Ready-made, productos manufacturados en los que Duchamp estampa su firma y adosa título, convirtiéndolos por gracia de Dada en novedosas obras de arte. Ejemplos: Una fotografía de la Gioconda, con bigotes y barba de chivo, pasa a llamarse "L.H.O.O.Q.", y un urinario puesto al revés, "Fuente". Para los dadaístas el 'no' era una respuesta y la nada un voz para con el mundo. Todo lo que en algún momento intentó servir de nexo comunicador entre los hombres era inútil y la única forma de manifestarse era el escándalo, el caos, la ruptura de lo que configuraba el oscuro plan de la repugnante sociedad burguesa de principios de siglo. Un mundo travestido. Las nauseas por lo contemporáneo y ajeno comenzaron a brillar como vómitos en la noche, por los tugurios de New York, Berlín, Colonia y París, de los estómagos hambrientos de respuestas inexistentes de jóvenes artistas que por aquella época se violentaban ante el mundo y empezaban a descreer de todo cuanto los rodeaba. (Incertidumbre - Insensatez) A Duchamp, Picabia y Man Ray se les sumaron Stieglitz, George Grosz, Marx Ernst, André Bretón, Aragón, Paul Eluard. Escribieron, destruyeron, pintaron, abolieron, fotografiaron, esculpieron. Manifestarse a través de Dada fue hacer catarsis de sus sentimientos, sus contradicciones sin límites ni destellos, su certeza de que ya todo estaba acabado. Esclavos del tiempo que los enlazaba a la realidad abrumadora de un mundo pervertido, desarraigado, destruido. Exposiciones destruidas a hachazos por sus participantes, revistas, conciertos, sesiones de lectura colectiva al unísono, improvisaciones públicas, todo en Dada fue un escándalo. Logro su cometido: irritar, desagradar, provocar numerosas protestas y burlas, escandalizar a la alcurnia y ganar adeptos entre las almas sucias y corrompidas que despojaba este mundo. El principio básico fue la valorización de cualquier cosa que no fuera un hecho artístico y por eso mismo convertirlo en tal, situando lo que antes fue un simple meritorio junto a las máximas expresiones "autorizadas" de la cultura. 1914: se declara la Primer Guerra Mundial. 1917: derrota italiana de Carporetto; revolución soviética en la Rusia zarista. 1918: ganan los Aliados. 10 millones de muertos y 20 millones de heridos. Primer saldo final; Debe. 1919: en París se publica una nueva revista que en su nombre habla de lo que más aborrecen sus editores: Littérature. Ellos son André Breton, Louis Aragon y Philippe Soupault (ex veteranos de guerra); Haber. A la redacción parisina llegan los primeros números de la revista editada en Suiza por Tzara, "Dada 3", junto al Manifiesto Dadaísta. El cuestionamiento de la existencia de la obra de arte llegaba a la cuna más refinada de la hipocresía. Dada fue contracultura en las raíces de la cultura, se convirtió en el único medio de expresión en el que depositaron sus últimos retazos de fe, las almas sufrientes y desposeídas de un mundo que se caía a pedazos y que los arrastraba a la ruina. Fue el emergente y su única salida al espanto al mostrar su propia miseria, el auto flagelo, el espejo del derrumbe total que los demás querían ocultar. Solo el azar era el camino, crear negativamente, lanzarse a las consecuencias del destino, llegar a una total libertad creadora del subconsciente. Tristán respiraba la muerte de la inspiración poética. "Tome un periódico. Luego unas tijeras. Elija en ese periódico un artículo que tenga la extensión que usted quiera dar a su poema. Corte el artículo. Corte en seguida con cuidado cada una de las palabras que constituyen ese artículo y póngalas en una bolsa. Agite suavemente. Extraiga luego cada trozo uno tras otro en el orden en que salen de la bolsa. Copie concienzudamente. El poema será la viva imagen de usted. Y usted será un escritor infinitamente original y de una exquisita sensibilidad, aunque el vulgo no lo comprenda." Asco Dadaísta Todo producto del asco susceptible de convertirse en una negación de la familia, es Dada; protesta con todas las fuerzas del ser en acción destructiva: DADA; conocimiento de todos los medios hasta ahora rechazados por el sexo púdico del compromiso cómodo y la cortesía: DADA; abolición de la lógica, danza de los impotentes de la creación: DADA; de toda jerarquía y ecuación social instalada para los valores por nuestros lacayos: DADA; cada objeto, todos los objetos, los sentimientos y las oscuridades, las apariciones y el choque preciso de las líneas paralelas, son medios para el combate: DADA; la abolición de la memoria: DADA; abolición de la arqueología: DADA; abolición de los profetas: DADA; abolición del futuro: DADA; creencia absoluta indiscutible en cada dios producto inmediato de la espontaneidad: DADA; salto elegante y sin perjuicio de una armonía a la otra esfera; trayectoria de una palabra lanzada como un disco sonoro grito; respetar todas las individualidades en su locura del momento: seria, temerosa, tímida, ardiente, vigorosa, decidida, entusiasta; pelar su iglesia de todo accesorio inútil y pesado; escupir como una cascada luminosa el pensamiento chocante o amoroso, o mimarlo -con la viva satisfacción de que da igual- con la misma intensidad que el zarzal, puro de insectos para la sangre bien nacida, y dorada de cuerpos de arcángeles, de su alma. Libertad: DADA DADA DADA, aullido de los dolores crispados, entrelazamiento de los contrarios y de todas las contradicciones, de los grotescos, de las inconsecuencias: LA VIDA. (Manifiesto DADA 1918 - Fragmento- , Tristan Tzara)

EL MARAVILLOSO MUNDO DE LA ILUSTRACIÓN Por Mariano Rivera

Liselotte Watkins Cuando la moda se ilustra. LiselotteWatkinsnacióenNyköping, Suecia. Hatrabajadocomoilustradorade modadesdequeterminósueducación afinales de 1990enel Instituto de ArtedeDallas, EE.UU.Susdibujoshan sido publicados enVogue(Reino Unido, EE.UU., Japón, Italia), Elle(EE.UU., Reino Unido, Francia), Glamour(EE.UU., Francia), yla señoritaÜbersee. EntresusclientesestáncosméticosMAC, Barneys, Victoria Secrets, Sephora, Max Maray AnaSui. Suestiloúnicoatrajo la atención deinmediatoyconsiguiólacesiónde prestigioparailustrarla publicidad de maquillajeBarneytodos los domingosen la sección deestilo del Nueva YorkTimes.Liselotteesinigualable, increíblementeoriginal. Almismo tiempo,sufuerzaesunainquietudde nunca acabar. Ellanunca sequedasatisfecha, yperfeccionasin cesarytransformandosuestilo. Ahoratambién hacomenzado a aceptarasignaciones dediseñoyaccesorios, con lo que haavanzadosulenguajevisual. Ensoñadoras chicas de enormes ojos y cabellos con carácter, son el sello de las ilustraciones de Liselotte. Las ilustraciones de Liselotte están estrechamente ligadas al mundo de la moda. Aparecen continuamente en magazines como Elle, Vogue, Tush y TheNew York Times. El particular estilo y creatividad de Liselotte es interminable, con un lenguaje visual que atrapa y encanta. Una de sus últimas colaboraciones se puede ver en la nueva línea Home de H&M, donde la artista ha ilustrado textiles y cojines para la marca. Watkins también ha publicado libros con sus trabajos: “Watkin’sHeroine”, “Watkin’s Box of Pin-ups” y “Watkin’s No 1″. Gabriel Moreno Líneas de Fantasía Ilustrador, grabador y pintor con base en Madrid, se licenció en Bellas Artes en la Universidad de Sevilla en el 98. Desde entonces ha trabajado en diferentes estudios de diseño y agencias de publicidad andaluzas, en el 2004 se traslada a Madrid, donde en junio de 2007 comienza a mover su portafolio y tras ser seleccionado entre los 20 nuevos talentos de la ilustración, por la revista londinense Computers Arts y recibir sus primeros encargos de publicidad comienza su carrera como ilustrador. La obra de GabrielMorenoesunexuberante mundode fantasíaque rezumaeleganciay estilo.Estaesunainspiraciónobviade la casadelilustradorde Madrid. "Siempre hay algo que hacer", diceGabriel. "Todo lo que influye enmitrabajo, yo diría quelas personasylas relacionestienen muchomásquevercon eso." GabrielpasótiempoestudiandoBellas ArtesenlaUniversidadde Sevilla. Los primerostres años, al igual que la mayoría delos estudiantesde la universidad,iba de fiestacada fin de semanaydormíadurante lasemana.Losdos últimosaños algo cambióenély le instóaponerse al díacontodo el tiempoqueperdió. "No dejar de dibujar", dice Gabriel. "Aprendí sobre la pintura y el grabado. Eso es muy importante e influyó en lo que hago hoy en día. " El arte era siempre importante en la vida de Gabriel. Él ha estado dibujando desde que era un niño, pero nunca pensó que esto podría ser una carrera hasta hace poco. "Desde que era niño me gustaba dibujar", explica. "Nunca pensé que podría vivirde ésto, pero aquí estamos." Probando diferentes enfoques y probandose a sí mismo con diferentes técnicas es lo que mantiene a Gabriel motivado. "Mi trabajo es realista y basado en técnicas tradicionales", dice Gabriel. "Se aplica a un concepto contemporáneo y la estética." Las ilustraciones de Gabriel tienen demanda con grandes clientes como Snickers, Universal Music, y la revista Rolling Stone, entre otros. Mientras que algunos artistas tienen dificultades para gestionar la parte comercial del arte, ser creativo, la reducción de la brecha entre el arte y el negocio nunca ha sido un problema para Gabriel. "Nunca vi un hueco", dice, entre la distinción de arte y los negocios. "El arte es negocio, yo trabajo para grandes clientes y trato de dar una solución creativa, la parte comercial me da la libertad para hacer mi obra personal". El trabajo futuro de Gabriel será interesante. Él planea explorar nuevos campos como la escultura, moda, animación y cortometrajes. "Tratar de describir el arte es realmente complicado", dice Gabriel. "Tecnologías de democratizar el arte, no veo la ilustración como arte, me considero un artesano que trabaja mediante la adaptación de los diferentes órdenes de mi trabajo como una solución creativa a las diferentes necesidades. Sólo me siento cerca de el arte cuando trabajo en un proyecto personal como concepto, pero honestamente cuando lo hago todavía me siento como un intruso. "

Entrevista

Joaquín Salvador Lavado El Mundo según Quino
Quino es un maestro de las tiras de prensa. En los diez años que dibujóMafalda desarrolló un estilo de dibujo y una maestría narrativa difícilmente superables. Quino es sobre todo un observador de su tiempo y la naturaleza humana. En sus 44 años de profesional, hace un análisis crítico del mundo en que vive y a través de sus historias y sus personajes de todo lo bueno y lo malo que tenemos las personas. Dentro de su larga producción de humor gráfico, es en sus trabajos menos conocidos (que no menos extenso) donde Quino demuestra una imaginación sin limites y un sentido del humor que raya en lo absurdo y surrealista. ¿Cómo Nace un dibujo de Quino? ¿Cómoteviene la idea? Si lo supiera sería el hombre más feliz del mundo. Freud ha dicho que el trabajo creativo es como ir a la cama con el propósito de soñar con tres bellas mujeres. No. Es imposible porque los sueños no se pueden programar. Es lo mismo yo no puedo programar las ideas que me vendrán en mente. A veces leo alguna noticia que me enfada y entonces creo algo sobre el tema para quitarme la rabia. O ,si escucho un disco, una canción de un cantante que gusta a la gente, me pregunto: por que gusta a la gente. Y después dibujo algo que no tiene nada que ver, ni con el cantante ni con su canción. Pero quizás la idea ha nacido de ahí. ¿Alguna vez te sientas delante del folio en blanco sin saber lo que harás? Creo – responde riendo – que después de lo que te he dicho se entienda que en el 99’8% de los casos es así. ¿Cuando comienzas sabes ya cual será el resultado final? Nunca. Soy uno que mientras dibuja una página o un boceto piensa el modo de hacerlo. Me siento poco organizado como dibujante. Sé que tengo buenas ideas, a veces complicadas. Pero la parte gráfica me hace sentir mal conmigo mismo. No aprendo lo suficiente y tengo que hacer un montón de pruebas. ¿Intentas ayudar la fantasía? ¿Te documentas de alguna manera? Sí. Cuando comencé a publicar en Argentina dibujé un “matador”. Había matado el toro y tenia la montera puesta. Error. Un lector protestó. La montera se ofrece a un personaje del público antes de matar el toro. Por eso el matador no podía tener la montera puesta... En otra ocasión ,un alemán me hizo notar que había puesto un peinado del siglo XVI con un vestido del siglo XVIII. Equivocado. Hay que documentarse. ¿Ayudo la fantasía? Yo tengo el problema de soñar muchísimo. Tengo sueños bellísimos y pesadillas interesantes, por desgracia son pesadillas. En conclusión me he dado cuenta que tengo mas fantasía despierto. Esto me irrita. De todas formas intento ayudarme escuchando música, yendo al cine... Creo que si “creas” junto a los demás, sin que uno sepa del otro. El resultado es un enriquecimiento recíproco, como en una tribu. Los materiales y el proceso. ¿Cual es el procedimiento a seguir para realizar un dibujo? Primero hago los bocetos con lápiz. Después dibujo con tinta china. Hay días que no consigo sacar ideas, entonces hago muchísimas pruebas y bocetos sobre bocetos. En este caso el papel que uso es el de block notes, no el de dibujo. Son ideas un tanto confusas y no terminadas que conservo en una carpeta. Lo utilizo como mina de ideas. Cambio personajes, situaciones y al final consigo sacar una buena idea. Mira, que precisamente en estos días he recuperado una que la tenia ahí desde hace nueve años. ¿Cuanto tiempo empleas para hacer un dibujo? Depende. En ciertos casos la realización puede tardar muchísimo, como en el caso que te he contado antes. Algunas veces una idea archivada la vuelvo a coger, vuelvo a dibujarla para perfeccionarla. En realidad mi trabajo lo tengo que entregar a la semana. Para un dibujo,en media, es el tiempo que empleo. Para una idea no se puede decir jamás cuánto tiempo empleas. La carpeta está siempre llena de proyectos no terminados. Y me llevo a la cama el block notes. Porque me parece que tengo ideas geniales antes de dormir. A la mañana siguiente algunas de estas no lo son para nada. ¿Cuando has terminado un dibujo te sucede alguna vez de no sentirte satisfecho con el resultado? Sucede muy a menudo por desgracia. Y si tengo tiempo lo repito. ¿Qué papel usas? ¿Usas plumas o plumillas? Uso papel Fabriano F4 o papel Schoeller (hoy Zanders/stern). Uso plumillas francesas que se llaman “Blanzy”, las que tienen el manguito naranja. Si no uso el Rotring num.1,3 y 5. Si tengo que dibujar un coche con mucha precisión uso el Rotring, para las personas o los animales dibujo con la plumilla. ¿Qué dimensión tienen tus dibujos? ¿Qué proporción tienen comparándolo con lo publicado? He perdido muchos originales cuando aun no existían las fotocopiadoras. Pero desde que sé que puedo entregar las fotocopias uso el formato mas grande de la fotocopiadora. Mis trabajos tienen como medidas 24,5cm de ancho x 32cm de altura. ¿Los dibujos destinados al mercado tienen formatos y dimensiones diferentes? El mercado produce exclusivamente Mafalda. Yo no dibujo más Mafalda. Y ninguno tiene la autorización para dibujarla. Los dibujos destinados al comercio están sacados de tiras originales. ¿Te gustaría ocuparte de la post-producción de tus dibujos? Me gustaría. Pero no lo hago. Así no estoy nunca contento de los resultados. En el fondo no quiero ocuparme. Sólo me hubiera gustado estar presente en los dibujos animados producidos en Cuba. Pero el director justamente ha dicho: aquí se hace lo que quiero yo. A cada uno su trabajo. Y su trabajo lo sabe hacer bien. ¿Tienes algún proyecto importante que te gustaría realizar? Sí muchos. Para comenzar un libro de dibujos que nunca han sido publicados y que “todos” están por hacer. Es una utopía. Además me gustaría continuar la serie de dibujos animados comenzada en Cuba. Veremos. ¿Qué aconsejarías a un joven dibujante que quiere entrar en el mercado? Pienso que puede tener las mismas posibilidades que he tenido yo. Debería tener paciencia y recorrer casas editoras, intentando comprender que es lo que quiere hacer realmente en su vida. Yo no he deseado otra cosa en mi vida que ser dibujante. No he hecho otra cosa que dibujar desde pequeño. Debe tener presente que no es una actividad que se puede tratar como hobby, trabajando mientras en un banco o haciendo cualquier otra profesión.Este trabajo tiene que ser considerado por lo que es: una profesión. Preguntas más frecuentes. ¿Qué hacías antes de dibujar Mafalda...? Tantas veces me preguntan qué hacía yo antes de dibujar Mafalda. Yo dibujaba, dibujé siempre y siempre quise ser dibujante. Creo que la decisión la tomé a los tres años cuando me quedé una noche al cuidado de mi tío Joaquín (mis padres habían ido al cine) quien se puso a dibujar para entretenerme, y me di cuenta todo lo que podía salir de un lápiz. Yo quería ser dibujante de historietas, cuando debía comenzar la escuela mi mamá tuvo que convencerme: debía ir a la escuela porque para poder escribir los textos de las historietas que hiciera cuando fuese grande tenía que aprender a escribir y eso me lo enseñarían en la escuela. Mi madre me dejaba dibujar directamente sobre la madera de una mesa a condición de que luego la lavara con agua y jabón. También recuerdo que una vez, tendría 10 años, un tío lejano me preguntó qué iba a hacer yo de grande y le contesté: "Dibujante de historieta". Ante mi respuesta, que debió parecerle ridícula, me dijo: "Sí, y te vamos a ver con una bata de seda y un vaso de whisky en la mano". Desde ese día lo odié tanto que nunca olvidé ni le perdoné que se burlara de mí. ¿Te identificas con algunos de tus personajes? No me identifico totalmente con ninguno de mis personajes aunque cada uno de ellos tiene rasgos de mi manera de ser y de pensar y de la época. El personaje central es una nena porque en ese momento el Movimiento de Liberación Femenina tenía una lucha muy activa. A Mafalda no le gusta la sopa: esa sopa representa el autoritarismo que debemos soportar, así como Libertad es muy chiquita porque cuando hay autoritarismo la libertad también lo es. ¿Cuándo dejaste de hacer Mafalda? Dejé de hacer Mafalda después de otros 10 años porque me di cuenta que me costaba mucho esfuerzo no repetirme, sufría con cada entrega. Cuando uno tapa el último cuadrito de una historieta y ya sabe cual va a ser el final es porque la cosa no va. Y por respeto los lectores y a mis personajes y por mi manera de sentir el trabajo decidí no hacerla más y seguir con el humor que nunca dejé de hacer. ¿Reniegas de Mafalda? Cuando me preguntan si reniego de Mafalda, contesto que no puedo renegar de ella, es una parte de mi historia personal y la versión de que dibujé una tira en la que Mafalda muere la lanzó un diario latinoamericano, nada más. ¿Volviste a dibujar a Mafalda? La volví a dibujar para algunos amigos, para pedidos específicos de campañas de salud o de bien público, porque me interesaba el tema, pero nunca acepté ni acepto dibujarla para campañas de publicidad, tampoco acepto ninguna adaptación, sea al teatro, al cine y etc. La única concesión fueron los dibujos animados, porque siguen siendo dibujos.